Ève, Vanités, Olympia : le péché de chair en peinture

Pourquoi Ève incarne-t-elle le péché de chair en peinture ?

Ève incarne le péché de chair parce que la tradition chrétienne a relié la première faute au corps et au désir. Dans le récit de la Genèse, Ève cède au serpent et goûte au fruit défendu, puis le partage avec Adam. La faute est une désobéissance, mais le texte ajoute aussitôt que le couple découvre sa nudité : selon la traduction Louis Segond, « ils connurent qu'ils étaient nus » (Genèse 3, 7) ^[7]. Les peintres ont hérité de cette lecture.

Pendant des siècles, la scène de la tentation est l'un des rares sujets où un peintre peut montrer des corps nus dans un contexte religieux. Le nu y reste encadré par un message : il rappelle la chute et ses conséquences. La pomme, le serpent et l'arbre deviennent des signes que tout spectateur sait lire.

Cette iconographie place souvent la responsabilité sur la femme. Ève tentatrice devient une figure morale autant qu'un personnage biblique, et certains artistes la rapprochent d'autres femmes fatales de la culture antique. Elle rejoint ainsi les figures de la luxure que la sculpture médiévale avait déjà fixées sur les portails des églises (voir la luxure parmi les péchés capitaux).

Quatre œuvres, quatre façons de peindre le péché de chair

Œuvre	Date	Lieu de conservation	Symboles ou enjeu	Réception
Eva Prima Pandora, Jean Cousin le Père	Après 1549	Musée du Louvre (RF 2373)	Pomme, serpent, vase de Pandore, crâne	Acquise en 1922 par la Société des amis du Louvre
Vanités (genre)	XVIIe siècle, autonome vers 1620 à Leyde	Nombreux musées, dont des musées français	Crâne, sablier, bougie, vin, pipe, instruments de musique	Genre très diffusé en Flandre et en France
Naissance de Vénus, Alexandre Cabanel	1863	Musée d'Orsay	Déesse mythologique, nu idéalisé	Triomphe au Salon de 1863, achetée par Napoléon III
Olympia, Édouard Manet	1863, exposée en 1865	Musée d'Orsay	Courtisane contemporaine au regard frontal, chat noir, bouquet	Scandale au Salon de 1865, entrée au Louvre en 1907

Lire les plaisirs dans une Vanité

1. Repérer les plaisirs : vin, pipe, musique, jeux
2. Repérer le temps : sablier, bougie, montre
3. Repérer la mort : crâne, fleurs fanées
4. Conclure : les plaisirs passent, la mort demeure

Que montre l'Eva Prima Pandora du Louvre ?

L'Eva Prima Pandora montre Ève sous les traits de Pandore, la première femme de la mythologie grecque, à l'origine des maux de l'humanité. Le Louvre conserve sous le numéro RF 2373 ce panneau peint à l'huile sur chêne, attribué à Jean Cousin le Père et daté d'après 1549 ^[1]. L'œuvre mesure environ 98 centimètres de haut sur 1,50 mètre de large. Une inscription latine, « EVA PRIMA PANDORA », figure dans un cartouche ^[1].

Le tableau assimile Ève, tenant une branche de pommier, à Pandore, qui libère les maux d'un vase d'où sort un serpent ^[1]. La notice du musée le rattache à l'entrée royale d'Henri II à Paris en 1549, où Paris était figurée en nouvelle Pandore ^[1]. Le crâne, autre symbole visible, rappelle que la faute a introduit la mort dans le monde ^[2].

La Société des amis du Louvre a acheté l'œuvre en 1922 et l'a offerte au musée la même année ^[1]. Ce panneau est parfois présenté comme le premier nu de la peinture française lié au maniérisme de l'école de Fontainebleau, avec prudence ^[2]. La double référence, biblique et mythologique, montre comment la Renaissance associe la première femme de la Bible à l'origine des malheurs humains.

Que disent les Vanités sur les plaisirs ?

Les Vanités disent que les plaisirs des sens sont éphémères et détournent de l'essentiel, le salut. Une Vanité est une nature morte allégorique qui rappelle la fragilité de la vie et le peu de valeur des biens terrestres ^[3]. Son nom vient de l'Ecclésiaste et de la formule latine « Vanitas vanitatum et omnia vanitas ». Le genre devient autonome vers 1620 à Leyde, aux Pays-Bas, puis se diffuse en Flandre et en France au XVIIe siècle ^[3].

Les Vanités ne montrent presque jamais de corps. Les plaisirs y sont figurés par des objets : verres de vin, pipes, instruments de musique, cartes à jouer ^[3]. Face à eux, le crâne, le sablier, la bougie éteinte ou les fleurs fanées rappellent que tout passe ^{[3] [6]}. La Tate résume leur fonction : rappeler au spectateur sa mortalité et le caractère éphémère des plaisirs terrestres ^[6].

Le message est moral sans être explicite. La Vanité ne condamne pas un acte précis : elle invite à se détourner des plaisirs des sens pour penser au salut. En France, le peintre Philippe de Champaigne, installé à Paris, et l'Alsacien Sébastien Stoskopff ont pratiqué ce genre ^[3].

Pourquoi le nu mythologique était-il accepté en 1863 ?

Le nu mythologique était accepté parce que le sujet antique le plaçait hors du temps présent et lui donnait une caution culturelle. Le Salon de 1863 en offre la démonstration. La Naissance de Vénus d'Alexandre Cabanel, grande toile de 130 sur 225 centimètres, compte parmi les grands succès de ce Salon ; elle est acquise sur la liste civile de Napoléon III et entre dans sa collection ^[8].

La même année, le jury refuse Le Déjeuner sur l'herbe de Manet, exposé sous le titre Le Bain ^[9]. Le tableau devient la principale attraction du Salon des refusés et provoque un scandale ^[9]. Sur une toile de 207 sur 265 centimètres, il associe une femme nue à deux hommes vêtus à la mode du jour, sans aucun prétexte mythologique ou allégorique ^[9].

Manet s'appuie pourtant sur des modèles anciens. Le sujet vient du Concert champêtre du Louvre, œuvre de Titien alors attribuée à Giorgione, et le groupe central s'inspire d'une gravure d'après Raphaël, Le Jugement de Pâris ^[9]. Ce qui choque n'est donc pas la nudité, mais son transfert dans un déjeuner sur l'herbe contemporain.

Le musée d'Orsay souligne ce contraste. Sa notice oppose la tradition académique dont relève Cabanel à la peinture de Manet, dont la franchise et la vigueur firent scandale ^[8]. Le péché de chair, aux yeux du public de 1863, tenait moins au corps montré qu'à l'époque et au monde auxquels il renvoyait.

Pourquoi Olympia a-t-elle choqué en 1865 ?

Olympia a choqué parce qu'elle montre une courtisane de son temps qui fixe le spectateur, et non une déesse idéalisée. Édouard Manet peint la toile en 1863 et l'expose au Salon de 1865 ^[4]. Le nu en lui-même n'était pas en cause : une Vénus ou une nymphe pouvait être nue sans choquer, tant que le sujet restait mythologique ^[4].

Le problème venait du contexte. Les critiques reconnaissent dans le modèle une courtisane contemporaine, et son regard frontal place le spectateur dans une position gênante ^[4]. Manet s'inspire pourtant d'un modèle respecté, la Vénus d'Urbin de Titien (1538) ^[4]. Le chat noir dressé au pied du lit, symbole de lubricité, remplace le petit chien de Titien, et le bouquet que tend la servante suggère la visite d'un client ^[5].

La facture de Manet, en rupture avec la peinture académique, accentue le rejet ^[4]. La presse se montre féroce : le critique Paul de Saint-Victor raille une « Olympia faisandée » ^[5]. Selon un témoin, des visiteurs auraient même voulu percer la toile de leur parapluie ^[5]. Antonin Proust, ami d'enfance du peintre, écrira que le tableau n'a échappé à la destruction que grâce aux précautions prises par l'administration ^[10].

La suite de l'histoire montre un retournement. Claude Monet organise une souscription pour acheter la toile, qui mesure 130,5 sur 191 centimètres, à la veuve de Manet ; elle est finalement achetée 19 415 francs et entre au musée du Luxembourg en 1890 ^[5]. Elle rejoint le Louvre en 1907, sur décision du président du Conseil Georges Clemenceau, puis le musée d'Orsay en 1986 ^{[5] [10]}.

Qui sont les deux modèles d'Olympia ?

Victorine Meurent a posé pour la femme allongée, et une modèle nommée Laure pour la servante ^[5]. Victorine Meurent avait environ 19 ans et posait comme modèle depuis l'âge de 16 ans ; elle est sans doute aussi la femme nue du Déjeuner sur l'herbe ^{[9] [10]}. Elle est ensuite devenue peintre et a exposé au Salon en 1876, 1879, 1885 et 1904 ^[10].

La servante noire a longtemps été négligée par la critique. Elle est aujourd'hui au centre de travaux qui interrogent la place des modèles noirs dans la peinture moderne ^[10]. L'historienne de l'art Denise Murrell a consacré à ce sujet sa thèse de doctorat à l'université Columbia, puis organisé à New York, à la Wallach Art Gallery, l'exposition Posing Modernity sur le modèle noir de Manet à Matisse, d'octobre 2018 à février 2019 ^[11].

Ce travail a donné naissance à l'exposition Le Modèle noir, de Géricault à Matisse, version élargie de celle de New York, présentée au musée d'Orsay du 26 mars au 21 juillet 2019, dont Denise Murrell était co-commissaire ^[11]. Le tableau n'est plus lu seulement comme un scandale de mœurs, mais aussi comme le portrait de deux femmes de condition différente.

Comment lire ces œuvres aujourd'hui ?

Ces œuvres se lisent aujourd'hui comme des témoins de la morale de leur époque, que les musées expliquent sans la reprendre à leur compte. Les quatre exemples montrent quatre manières de traiter le même thème. Avec Ève, la peinture raconte une faute originelle et la rattache au corps féminin. Avec les Vanités, elle avertit sans montrer, par des objets.

Avec Cabanel, elle montre le corps à condition de l'éloigner dans la fable. Avec Olympia, elle cesse de juger et montre une réalité sociale que le public préférait ignorer. Le même tableau est désormais célébré : il n'a quitté Paris que pour de rares prêts, à Venise en 2013, où il a été exposé à côté de la Vénus d'Urbin, en Russie en 2016, puis au Metropolitan Museum de New York de septembre 2023 à janvier 2024 ^[10].

Le regard des musées a changé. Les notices actuelles décrivent les symboles et le contexte historique sans reprendre le jugement moral des époques passées ^[1]. Les artistes contemporains réinterprètent aussi ces images, comme Catherine Meurisse avec la bande dessinée Moderne Olympia, coéditée en 2014 avec le musée d'Orsay ^[5]. C'est aussi la démarche de cette encyclopédie : expliquer ce que les œuvres voulaient dire à leur public, sans trancher sur la morale qu'elles défendaient.

Questions fréquentes

Où voir l'Eva Prima Pandora ?

Le panneau est conservé au musée du Louvre, au département des Peintures, sous le numéro d'inventaire RF 2373 ^[1]. Il appartient à l'État depuis le don de la Société des amis du Louvre en 1922.

Quels objets symbolisent les plaisirs dans une Vanité ?

Le vin, la pipe, les instruments de musique et les jeux représentent les plaisirs des sens ^[3]. Ils sont associés à des symboles du temps, comme le sablier ou la bougie, et de la mort, comme le crâne.

Le nu était-il interdit dans la peinture du XIXe siècle ?

Non. Le nu était admis, et même valorisé, lorsqu'il représentait une déesse ou une figure mythologique ^[4]. En 1863, la Naissance de Vénus de Cabanel est ainsi achetée par Napoléon III ^[8]. Ce qui choque dans Olympia, c'est une nudité moderne et un regard direct, qui renvoient à la prostitution de l'époque.

Qu'est-ce qu'une allégorie de la luxure ?

C'est une figure qui représente le péché de luxure, l'un des sept péchés capitaux, sous une forme humaine ou symbolique. Dans les Vanités, la luxure n'est pas personnifiée : elle se devine à travers des objets liés aux plaisirs ^[3]. D'autres œuvres la montrent sous les traits d'une femme accompagnée d'animaux symboliques.

Qui a posé pour Olympia ?

Victorine Meurent a posé pour la femme allongée, et une modèle nommée Laure pour la servante ^[5]. Victorine Meurent est ensuite devenue peintre et a exposé au Salon à partir de 1876 ^[10].

Que symbolise le chat noir d'Olympia ?

Le chat noir, queue dressée au pied du lit, est un symbole de lubricité ^[5]. Il remplace le petit chien de la Vénus d'Urbin de Titien, le tableau qui a servi de modèle à Manet ^[4]. Avec le bouquet apporté par la servante, il oriente la lecture vers une scène de courtisane.

Pourquoi Le Déjeuner sur l'herbe a-t-il été refusé au Salon ?

Le jury du Salon de 1863 l'a refusé, et le tableau a été montré au Salon des refusés ^[9]. Il choquait parce qu'il plaçait une femme nue au milieu d'hommes habillés à la mode du jour, sans aucun prétexte mythologique ou allégorique ^[9].

Où voir Olympia aujourd'hui ?

Olympia est conservée au musée d'Orsay, à Paris, depuis 1986 ^[5]. Elle était auparavant au Louvre, où elle était entrée en 1907 ^[10]. Elle n'a quitté la France que pour de rares prêts, dont l'exposition Manet/Degas du Metropolitan Museum en 2023-2024 ^[10].